En Mitchell, tres artistas ofrecen sus visiones

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Armando Erba junto a su cuadro Niño serbio. Abiba Hermosas fotos.

Lo primero que llama la atención del cuadro Niño serbio de Armando Erba es la textura, que literalmente salta del lienzo. Es fácilmente visible a simple vista, la pintura acrílica crea grumos y crestas. Las variadas y elevadas superficies mantienen el interés del espectador.

Mientras el niño en el lienzo mira a través de las grietas más allá de la cerca, frunce el ceño, pero sus ojos dan un destello de esperanza. Refleja el cielo azul brillante y el campo verde más allá.

El trabajo de Erba es parte de la exposición Tri-Facet Visions, que se exhibe en la sucursal Mitchell de la biblioteca pública gratuita de New Haven hasta el 31 de agosto. Instalada en la sala de programas de Mitchell en Harrison Street, la exposición presenta a los artistas Marian Doherty, Marc Chabot y Armando. Erba, que cubren una variedad de temas, desde paisajes naturales hasta la lucha humana y el surrealismo. Está comisariada por Johnes Ruta, curador independiente y teórico del arte.

Marc Chabot delineando una figura estrella parcial en su pieza Twinkle Star's Maelstrom.

En el lado derecho de la habitación, los dibujos con pincel, pluma y tinta de Marc Chabot se alinean en las paredes, las líneas negras oscuras son tan detalladas que parecen saltar del campo blanco circundante. Sus piezas tardan desde un día hasta varias semanas en completarse, según su sensación de finalización con el tema.

Con sede en Southbury, Chabot atribuye su interés por el arte al artista del siglo XX Hyman Bloom. Se encontró por primera vez con las imágenes de esqueletos de peces de Bloom en El arte de dibujar de Bernard Chaet cuando tenía 16 años, y quedó inmediatamente fascinado. Después de la universidad, tuvo la oportunidad de conocer a Bloom y desde entonces ha implementado los conceptos de Bloom en su propio trabajo.

"Su trabajo tiene misterio. Dijo: 'Si compartes demasiado con el espectador, si le explicas todo, no hay misterio'", dijo Chabot. "Así que lo que me gusta es que las formas estén al borde del conocimiento". lo que son, pero no del todo”.

Chabot utiliza varias herramientas para crear sus dibujos, pero se inclina más hacia los bolígrafos sumi, bolígrafos de doble punta con puntas de goma huecas flexibles y bolígrafos con pincel pentel, que tienen la misma función que un bolígrafo sumi pero usan un cepillo de nailon en la punta. Cuando se acaba la tinta del cilindro de vinilo del bolígrafo Pentel Brush, se crea algo llamado "pincel seco", que produce las líneas plumosas que a Chabot le gustan en su trabajo.

Chabot's Of Snail and Turkeybone, realizado con un pincel pentel.

Chabot deriva los nombres de sus piezas buscando figuras y formas que le llamen la atención. Nunca entra en el proceso creativo con un dibujo perfectamente imaginado en mente, afirmó; prefiere trabajar “espontáneamente”, creando formas sobre la marcha.

“Tiene que hablarme y decirme en qué quiere convertirse”, dijo.

“El pincel y la tinta son una tradición asiática, proviene de China, Japón, Corea y todos esos países, y tienen técnicas muy, muy específicas sobre cómo manejar el pincel”, dijo. “Aunque no domino exactamente lo que hacen, algunas de sus técnicas y formas de depositar tinta sobre el papel también están a mi disposición”.

Andy Sistrand.

Un sábado reciente, Andy Sistrand, fascinado por las líneas de Egg Peck de Chabot, miró fijamente, estudiando las líneas menguantes y las formas creadas por la pluma sumi. "Nunca había visto algo así", dijo.

Sistrand, residente de Bethany que viajó a New Haven para la exposición, tenía una visión adicional como artista. Durante más de tres décadas, trabajó como tatuador en el ahora cerrado Studio Zee Tattooing and Body Piercing en State Street, del cual se retiró en 2017.

Actualmente es un estudiante de posgrado en la Universidad Estatal Central de Connecticut y estudia historia del arte. Dijo que quiere profundizar en su amor por el arte en un sentido académico.

"Siempre es bueno ver dónde has estado, así es más fácil ver hacia dónde vas", dijo.

María Doherty.

Al otro lado de la sala, frente a los intrincados diseños de Chabot, se encontraban los relajantes paisajes de Marian Doherty, que representan las maravillas naturales del estado.

Nacida en el Bronx, Doherty recibió su licenciatura en administración de artes en el Lehman College de Nueva York antes de estudiar pintura y estructura en el Pratt Institute de Brooklyn. Finalmente se estableció en Milford.

En Pratt, Doherty conoció los pasteles al óleo a través de la artista Mary Buckley, quien impartió una clase de teoría del color que la acompaña desde 1980. Inmediatamente se sumergió en el medio, compró un paquete de 125 pasteles al óleo Sennelier y experimentó con el color y mezcla.

"Tiene el tamaño y la forma de crayones, pero tiene la consistencia de un lápiz labial", dijo.

Doherty espera que los espectadores se lleven “una sensación de maravilla del mundo natural” de su arte, dijo. Sus piezas tardan entre dos horas y un día en realizarse.

Playa de nueces de Doherty.

Además de su trabajo con pasteles, también utiliza la textura del lienzo y el papel para agregar a la pieza.

"Experimento el momento tal como es y capturo la luz... y la calidad de la belleza que veo a mi alrededor", dijo.

En su cuadro Walnut Beach, por ejemplo, ha representado mareas calmadas que llegan a la orilla. Sobre la orilla hay nubes que pasan lentamente sin preocuparse por el mundo.

"Dejé el papel plano para representar la arena", dijo.

Mariellen Chapdelaine y Phillip Chambers.

Atentos durante una reciente visita del sábado a la galería y una charla de los artistas estuvieron los invitados Mariellen Chapdelaine y Phillip Chambers. Chapdelaine destacó su alegría al ver a los artistas reunirse en un panel y hablar en un mismo espacio.

"Realmente no se obtiene mucho", dijo. “Me expongo mucho a cosas que me resultan interesantes. A mí me da ideas porque también soy artista”.

“A veces, cuando ves a un artista y él habla sobre ello, comienzas a comprender mejor su trabajo y lo que realmente está sucediendo”, dijo Chambers. "Es interesante y todo esto tiene una historia detrás".

Destacó la importancia del apoyo de la comunidad al ver el trabajo de los artistas. Para él, no sólo deja una impresión en el espectador sino también en el propio artista.

Mujeres de Saigón (Ciudad Ho Chi Min) de Armando Erba.

A lo largo del programa, Chapdelaine se sintió particularmente atraída por la pieza de Erba Mujeres de Saigón (Ciudad Ho Chi Min), que se inspiró al ver clips de noticias de la guerra en Saigón a finales de la década de 1960.

“Las cifras del centro son fenomenalmente sólidas. Los colores se oponen muy poderosamente entre sí y por eso me atrapan”, dijo. “Y la naturaleza del cabello: es muy largo y en bloques. La miseria, los rostros implícitos sin detalles concretos. ¡Hay muchas cosas realmente buenas en ello!”

Nada en la pieza fue accidental. Erba quería arrojar una luz positiva sobre la actualidad desde una perspectiva diferente a la de los medios de comunicación. Le gustan los acrílicos, dijo, debido a la dicotomía contrastante que tienen con su pintura. Retrata la seriedad y el tono oscuro del tema a través de vitalidad y colores brillantes.

“Sólo quería representar a las mujeres de Saigón que estaban más allá de ser simplemente prostitutas y devastadas por la guerra. Que todavía había belleza”, dijo.

Si bien originalmente usaba óleos en su trabajo, Erba agregó que se inclina hacia los acrílicos para evitar la toxicidad de la pintura al óleo. Muchas de sus piezas provienen de acontecimientos actuales y de una vida que se ha extendido desde New Haven hasta San Francisco y viceversa.

Si bien también se queda atascado mirando lienzos en blanco, aprendió a simplemente hacer arte y también dio ese consejo a otros creativos.

"Simplemente toma el pincel y haz el primer trazo y luego, a veces, el tema surge de eso".